Jouer avec sa personnalité : notre pédagogie du jeu théâtral
Chez Scène & Coulisses, nous envisageons l’apprentissage du théâtre comme un travail concret de plateau : comprendre ce qui se passe dans une scène, agir avec précision, écouter ses partenaires et apprendre à faire des propositions.
Notre pédagogie, « Jouer avec sa personnalité », part d’un principe simple : chaque interprète arrive sur scène avec une présence, une voix, un rythme, un corps, un imaginaire et une manière singulière d’entrer en relation avec les autres.
Le travail ne consiste pas à effacer cette singularité pour fabriquer artificiellement un personnage. Il consiste à apprendre à l’observer, à l’utiliser et à l’élargir pour construire un jeu plus lisible, plus précis et plus engagé.
Développée par Julien Sardaigne, comédien, metteur en scène, auteur et directeur d’acteurs, cette pédagogie est aujourd’hui mise en pratique dans les ateliers, stages et créations de la compagnie Scène & Coulisses.
Une pédagogie née du travail de plateau
« Jouer avec sa personnalité » est née de plusieurs années de pratique comme comédien, metteur en scène, directeur d’acteurs et pédagogue.
Elle s’inscrit dans une histoire du jeu théâtral où l’action, la situation et la singularité de l’interprète occupent une place centrale.
Le travail de Stanislavski sur les circonstances, l’objectif et l’action, la réflexion de Peter Brook sur la présence dans l’espace ou encore l’attention portée par Louis Jouvet à la personne qui interprète nourrissent cet héritage.
Mais cette pédagogie ne cherche pas à reproduire une méthode existante.
Elle propose des repères simples permettant de répondre à une difficulté très concrète rencontrée par de nombreux comédiens amateurs lorsqu’ils arrivent sur un plateau :
Que dois-je faire, concrètement, pour jouer cette scène ?
Plutôt que de commencer par chercher une émotion ou une manière de dire le texte, nous commençons par comprendre l’action.
Partir de ce qui est déjà là
Deux personnes peuvent travailler exactement le même texte, dans la même situation, avec le même objectif. Elles ne produiront pourtant jamais exactement le même jeu.
Leur corps, leur voix, leur rythme, leur énergie, leur manière d’écouter ou d’occuper l’espace sont différents.
Cette singularité constitue une matière de travail.
« Jouer avec sa personnalité » signifie donc apprendre à partir de ce que l’on est déjà capable de rendre crédible au plateau.
Cela ne signifie pas rester enfermé dans sa personnalité quotidienne.
Au contraire, le travail permet progressivement d’identifier ses réflexes naturels, ses zones de facilité, puis d’explorer d’autres facettes de soi afin d’élargir sa palette de jeu.
Une personne naturellement réservée n’a pas à devenir artificiellement expansive pour « faire du théâtre ». Elle peut d’abord apprendre à utiliser cette retenue, puis découvrir progressivement d’autres façons d’occuper l’espace, de prendre la parole ou d’entrer en relation.
Le même principe vaut pour une personnalité très énergique, très mentale, spontanée, sensible ou particulièrement expressive.
L’objectif est de développer davantage de possibilités de jeu.
Trois repères essentiels pour comprendre une scène
Une grande partie du travail repose sur trois repères principaux : la situation, l’état et l’enjeu.
À ces trois repères s’ajoute une question fondamentale : qu’est-ce que je cherche à obtenir de l’autre ?
La situation : qu’est-ce qui se passe ici et maintenant ?
Une situation ne se résume pas au lieu où se déroule la scène.
« Nous sommes dans une cuisine » donne peu d’informations.
En revanche :
« Nous sommes dans une cuisine, tard le soir, quelques minutes après une dispute que personne n’a réellement réglée »
commence à produire du jeu.
La situation comprend notamment le lieu, le moment, ce qui vient de se passer et le rapport existant entre les personnes présentes.
Plus ces éléments sont précis, plus le corps, le regard, le rythme et les déplacements trouvent naturellement une logique.
La première question devient donc :
Qu’est-ce qui se passe réellement, ici et maintenant ?
L’état : dans quel état est-ce que j’agis ?
L’état n’est pas une émotion que l’on cherche à fabriquer.
Il correspond plutôt à la tonalité durable produite par la situation.
Une personne peut être dans un état de vigilance, de retenue, d’urgence contenue, de lassitude ou de tension.
Cet état influence naturellement le rythme, le silence, le regard et la manière d’occuper l’espace.
Nous cherchons donc moins à demander à l’interprète « qu’est-ce que tu ressens ? » qu’à observer :
qu’est-ce que la situation change concrètement dans ta manière d’agir ?
L’objectif et l’enjeu : qu’est-ce que je veux obtenir et pourquoi est-ce important ?
Une scène devient véritablement active lorsque les personnages cherchent quelque chose.
Obtenir une réponse.
Empêcher quelqu’un de partir.
Faire changer une décision.
Provoquer une réaction.
Cacher une information.
C’est l’objectif.
L’enjeu répond ensuite à une seconde question :
qu’est-ce que je risque si je n’y arrive pas ?
L’objectif donne une direction à l’action. L’enjeu lui donne son poids.
Le travail consiste alors à rendre ces éléments suffisamment précis pour qu’ils puissent être perçus par le public sans devoir être expliqués.
Le texte devient une action
Apprendre un texte ne suffit pas à interpréter une scène.
Un même dialogue peut devenir une dispute, une tentative de séduction, une négociation, un adieu ou une situation absurde selon le cadre dans lequel il est placé.
Nous travaillons donc régulièrement à partir de textes volontairement ouverts afin d’expérimenter différentes situations, différents rapports ou différents enjeux.
Cette démarche permet de comprendre que l’interprétation ne repose pas uniquement sur une intonation ou sur une manière de réciter une phrase.
Le texte devient véritablement théâtral lorsqu’il est relié à une action.
L’interprète peut alors essayer, modifier, recommencer et proposer plusieurs lectures d’une même scène.
Apprendre à faire des propositions
Faire une proposition de jeu constitue une compétence essentielle.
Il ne s’agit pas de chercher systématiquement une idée originale ou spectaculaire.
Une proposition peut être extrêmement simple : une manière différente d’entrer, une distance particulière avec son partenaire, un silence, une utilisation précise de l’espace ou un changement de rapport.
L’important est qu’elle soit claire et cohérente avec la situation.
Nous encourageons les participants à essayer avant de juger leur idée.
Le plateau devient ainsi un espace de recherche.
Une proposition peut être retenue, transformée ou abandonnée. Elle permet dans tous les cas de disposer d’une matière concrète sur laquelle travailler.
Cette capacité à proposer développe progressivement l’autonomie de l’interprète.
Travailler la technique sans la séparer du jeu
Respiration, voix et diction font également partie du travail.
La technique n’est cependant pas envisagée comme un exercice indépendant destiné à produire une « belle voix » ou une diction artificielle.
Elle sert le jeu.
La respiration permet de soutenir la parole et l’action.
La voix permet d’être entendu sans forcer.
La diction permet au texte d’arriver clairement jusqu’au public.
Nous travaillons également la mémorisation.
Un texte insuffisamment mémorisé occupe une grande partie de l’attention de l’interprète. Il devient alors difficile d’écouter réellement son partenaire ou d’accepter une nouvelle direction de jeu.
Nous cherchons donc à apprendre le texte de manière suffisamment solide et neutre pour qu’il reste disponible.
Le texte est mémorisé avant de figer son interprétation.
Il devient ainsi possible de modifier un rythme, un enjeu, un déplacement ou un rapport sans devoir reconstruire toute la scène.
Une séance construite progressivement
Une séance de théâtre n’est pas pour nous une succession aléatoire d’exercices.
Elle suit généralement une progression.
Le travail commence collectivement afin de développer la disponibilité, l’écoute et la confiance au sein du groupe.
Des exercices de training permettent ensuite de travailler la présence, le rythme, l’espace et la réactivité.
Le groupe peut progressivement se réduire : quatre personnes, trois, deux, puis parfois une personne seule au plateau.
Les improvisations sont utilisées comme des outils pédagogiques précis. Elles peuvent permettre de travailler une situation, un état, un enjeu ou un rapport particulier.
Vient ensuite le travail d’interprétation, puis celui des scènes et des monologues.
Cette progression permet d’augmenter progressivement l’engagement demandé à chacun.
Le cadre reste collectif, mais chaque participant apprend peu à peu à devenir responsable de ses propositions.
Une exigence professionnelle adaptée à la pratique amateur
Scène & Coulisses est une compagnie artistique professionnelle du spectacle vivant implantée sur le territoire malouin.
La transmission fait partie intégrante de son activité.
Les ateliers et stages permettent ainsi à des amateurs de travailler avec des professionnels du spectacle vivant et de découvrir des outils issus de la pratique réelle du plateau.
Cette exigence professionnelle n’implique pas de demander aux participants amateurs de devenir des comédiens professionnels.
Elle signifie que les mêmes questions artistiques peuvent être posées :
Quelle situation suis-je en train de jouer ?
Qu’est-ce que je cherche à obtenir ?
Est-ce que mon action est lisible ?
Est-ce que j’écoute réellement mon partenaire ?
Pourquoi est-ce important pour mon personnage ?
Quelle proposition puis-je faire ?
Chacun peut ensuite travailler ces questions selon son expérience, son rythme et son parcours.
Une pédagogie qui s’inscrit dans le travail de création
Cette approche intervient aussi dans les projets de création de Scène & Coulisses.
Observer la singularité des interprètes permet notamment de réfléchir à la distribution d’un spectacle.
Un rôle possède une fonction dans une histoire. L’interprète possède de son côté une énergie, une présence, une voix et certaines facilités naturelles.
La distribution consiste à chercher une rencontre pertinente entre ces deux réalités.
Elle peut parfois valoriser une qualité immédiatement présente. Elle peut aussi permettre d’explorer un registre moins familier et d’élargir progressivement la palette de l’interprète.
La direction d’acteurs poursuit ensuite le même principe : proposer des axes de travail suffisamment précis pour permettre à la personne de chercher elle-même, plutôt que lui montrer une manière de jouer qu’elle devrait reproduire.
Julien Sardaigne
Comédien professionnel, metteur en scène, auteur et directeur d’acteurs, Julien Sardaigne développe depuis plusieurs années un travail autour de la personnalité, de la situation et de la lisibilité du jeu.
Formé notamment au Cours Viriot, il a travaillé comme comédien dans des formes très différentes : théâtre classique, théâtre contemporain, boulevard et comédie.
Il a également enseigné pendant cinq ans à l’École Paris Marais auprès d’adultes, enfants et d’adolescents.
Ces expériences de comédien, de direction d’acteurs, de transmission, d’écriture et de création ont progressivement donné naissance aux repères réunis sous le titre « Jouer avec sa personnalité ».
Il poursuit aujourd’hui ce travail au sein de Scène & Coulisses, aussi bien dans les ateliers et stages que dans les créations de la compagnie.
« Jouer avec sa personnalité », le livre
Cette pédagogie est également développée dans le livre « Jouer avec sa personnalité – Repères pour agir au plateau », écrit par Julien Sardaigne.
L’ouvrage approfondit notamment le travail sur la situation, l’état, l’objectif et l’enjeu, l’interprétation, la respiration, la voix, la diction, la mémorisation, les propositions de jeu, la construction d’une séance et la distribution.
Il s’adresse aussi bien aux interprètes qu’aux pédagogues, metteurs en scène et personnes souhaitant disposer de repères concrets pour travailler au plateau.
Le livre peut être commandé auprès de la plupart des librairies en indiquant simplement :
Jouer avec sa personnalité
Julien Sardaigne
ISBN : 979-10-987941-1-7
Mettre cette pédagogie en pratique
La pédagogie « Jouer avec sa personnalité » est mise en œuvre tout au long de l’année dans les différentes activités de transmission de Scène & Coulisses.
Vous pouvez la découvrir notamment à travers :
L’Atelier Théâtre adultes
Pour découvrir, reprendre ou approfondir la pratique du théâtre dans un cadre régulier.
L’Atelier Spectacle adultes
Pour les personnes souhaitant s’engager dans un processus de création théâtrale jusqu’aux représentations publiques.
Les stages de théâtre
Des week-ends de travail autour de thématiques précises : interprétation, rapports entre personnages, rythme, comédie, construction du jeu ou travail face caméra.
Les ateliers hebdomadaires ont lieu près de Saint-Malo, à Saint-Père-Marc-en-Poulet, et Scène & Coulisses propose également des stages dans différentes villes de Bretagne.
© Compagnie Scène et Coulisses 2025-2026. SIRET 94016716600021 - Licences spectacles PLATESV-D-2025-003083 & PLATESV-D-2025-003084
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